1. Особенности живописи тушью в Японии

Каждый интересующийся живописью тушью задавался вопросом о различиях в этом искусстве между Японией и Китаем. В данной серии статей мы постараемся последовательно разобраться с особенностями, историческим развитием, сходством и различием в традициях двух стран.

Сегодня речь пойдет об особенностях и приемах живописи тушью в Японии.

Первая характерная черта – изображаемые объекты не выписываются реалистично и детально. В живописи тушью суми-э духовная красота, жизненная сила и особенности природы, которые художник воспринимает в объекте, визуализируются и подчеркиваются в простой и понятной манере.

Вторая особенность – эффективное использование свободного поля картины. В японской живописи тушью отсутствие рисунка (пустое пространство) стимулирует воображение зрителя ощущением напряжения, динамизма, жизни и бесконечного простора.

Третья особенность состоит в том, что, несмотря на черный цвет материала, на картине присутствуют и другие оттенки. Ощущение многоцветности достигается с помощью использования различных оттенков туши, выбора степени белизны бумаги, техники написания работы, плавных и постепенных переходов тонов и так далее.  

Кроме того, картины тушью производят на зрителя впечатление неповторимой мощи и энергии, поскольку художник вкладывает в произведение свою духовную энергию и, в силу особенностей техники рисования тушью, не может ничего добавить или исправить.

Стоит также отметить характерную для Японии технику создания картин тушью под названием «накапывание» или «наливание».

На участок картины, нарисованный бледной тушью, накапывают или наливают тушь более густого оттенка – смешение дает неожиданный эффект расплывчатости. Развитие и популярность этой техники в Японии, как полагают, связано со следующими моментами. Во-первых, в Японии вода довольно мягкая, и в ее составе мало минералов. Кроме того, японская бумага отличается прочностью и хорошо впитывает влагу. Эти особенности и обеспечивают успех приему расплывчатости, а он, в свою очередь, в сочетании с разными оттенками туши создает эффект объемности изображения. Как разновидность техники также возможно использование бумаги, которая не впитывает влагу сразу. Тушь, медленно высыхая, оставляет  на бумаге характерные следы, которые затем искусно используются художником.

Также существуют и другие приемы суми-э:

  • «Хабоку»  –  к изображенному бледной тушью объекту постепенно добавляют густую тушь, что обеспечивает эффект игры разных оттенков;
  • «Хацубоку» – использование различных оттенков туши в сочетании с вольными, свободными движения кисти. Применяется в пейзажной живописи;
  • «Сэкибоку» – сначала бледной тушью наносят контуры изображения, а затем, смешивая бледные и более густые оттенки, постепенно изображают сам объект;
  • «Короку» – вначале каждая линия изображения выводится сильно, затем мягче;   
  • «Цукэтатэ» – объект сразу изображается целиком (путем закрашивания), без предварительного обведения контуров;
  • «Моккоцу» – художник передает свое ощущение от  изображаемого объекта. Используется при изображении воздуха, света и прочих явлений, не имеющих выраженной формы и контуров;  
  • Прием рисунка кистью, расположенной вертикально по отношению к бумаге;
  • Прием рисунка кистью, расположенной наклонно по отношению к бумаге;
  • «Дзюнпицу» («влажная кисть») – прием рисования с обильно смоченным тушью кончиком кисти;
  • «Каппицу» («сухая кисть») – прием, при котором кончик кисти лишь слегка смачивается тушью;
  • «Катабокаси» – плавный переход тонов. Используется при изображении не целого объекта, а его части, что позволяет добиваться эффекта объема и перспективы.

2. История развития живописи тушью в Японии: от возникновения до расцвета и наших дней

В прошлый раз мы разбирали особенности живописи тушью суми-э. В этот раз давайте перейдем к следующей части – историческому пути японской живописи тушью.

Рисунки тушью в виде линий встречаются в Японии уже в VIII веке. Однако полноценное искусство с использованием характерных для этого жанра техник – насыщенность и бледность тонов, расплывчатость, постепенные переходы – пришло в Японию из Китая в конце эпохи Камакура, то есть в первой половине XIV века, и эпоху Муромати в XV веке. Живопись тушью утвердилась благодаря распространению дзен-буддизма: в ту пору были популярны картины на буддийские мотивы и характерное для китайской живописи изображение орхидей, бамбука, хризантем, сливы. Работы писались главным образом буддийскими монахами, период их активной художественной деятельности пришелся на XIV век.

С XV века, начала эпохи Муромати, в истории живописи тушью начинается новая страница. Появляются такие известные художники, как Киссан, Минтё, Дзёсэцу, Сюбун и другие. Во второй половине этой эпохи (XV- XVI века) на сцену выходит Сэссю – наиболее выдающийся представитель данного вида искусства, создавший оригинальный японский стиль суми-э. Сэссю получил известность и признание не только в Японии, но и во всем мире; начиная как подражатель китайским мастерам, он сумел найти и сформировать отличный от китайского самостоятельного жанра искусства со своими приемами и техниками. Этот период принято называть расцветом японской живописи тушью.

Один из продолжателей Сэссю Кано Масанобу в XV веке основал школу японской живописи Кано – представители этой школы на протяжении четыреста лет, с середины эпохи Муромати до окончания эпохи Эдо (XIX век), неизменно играли центральную роль в сфере суми-э, оттачивая и совершенствуя оригинальный японский стиль.

Среди мастеров эпохи Эдо следует отметить также представителей школы японской живописи Римпа Хонъами Коэцу, Таварая Сотацу, Огата Корин, Огата Кэндзан, известных своими пышными и яркими картинами с использованием красок на основе золота и серебра. Достойны упоминания и такие известные мастера как Хасэгава Тохаку, Ито Дзякутю.

Во второй половине эпохи Эдо (XIX век) во влиятельных ранее школах Кано, Римпа и ряде других наметились тенденции к формализму и упадку. В это время начинают заявлять о себе новые школы: Нанга, Маруяма-Сидзё. Их деятельность и транслируемое искусство живописи тушью продолжает развиваться и в наше время.

3. Знаковые художники японской живописи

Итак, мы остановились на истории японской живописи тушью. Давайте познакомимся поближе с мастерами, оказавшими наибольшее влияние на становление и развитие суми-э.

Начнем с самой важной фигуры в истории японской живописи тушью – Сэссю (1420 -1506).  Настоящее имя художника неизвестно, творческий псевдоним Сэссю переводится как «Снежная Лодка».
В начале своего творческого пути он обучался живописи у Дзёсэцу и Сюбун в Сёкоку-дзи, одном из важнейших дзенских монастырей системы годзан («пять гор») Киото. Стремясь развить свое мастерство, Сэссю отправляется в Китай династии Мин, однако не находит там подходящего ему по уровню учителя. Как гласит легенда, мастер заявил: «Да будут моими учителями Небо и Земля» и начал странствовать по Китаю, запечатлевая в своих картинах природу разных времен года.

Вернувшись в Японию, он постепенно отходит от подражания китайским мастерам и создает оригинальный японский стиль живописи тушью суми-э со своими приемами и техниками. Например, Сэссю первым привносит в суйбокуга технику хацубоку.

Сэссю называли королем художников, его заслуги получили широкое признание не только в Японии, но и во всем мире. Шесть работ мастера были включены в список национальных сокровищ Японии:

  • «Осень и зима в горах»
  • «Длинный свиток пейзажей»
  • «Пейзаж в стиле хабоку»
  • «Хуэйкэ, отрубающий себе руку»
  • «Ама-но-Хасидатэ (Небесный Мост)»
  • «Пейзаж» (частное собрание)

В 1956 году Всемирный Совет Мира номинировал Сэссю и еще девять человек (в том числе и Леонардно да Винчи) в качестве культурных деятелей, которые внесли наибольший вклад в развитие мировой культуры. В том же году в СССР были выпущены почтовые марки, посвященные художнику.

雪舟 「秋冬山水画」

Картины Сэссю из цикла «Осень и зима в горах»

Продолжил развивать живопись суми-э Кано Масанобу (предположительно 1434-1530 гг.), ученик Огури Сотана, который считается учеником и преемником Сюбуна. Кано Масанобу является основателем японской школы живописи Кано, которая была одной их самых влиятельных на протяжении периода Эдо вплоть до реставрации Мэйдзи в XIX веке.

Наиболее известные из работ художника, сохранившиеся до наших дней — Чжоу Маошу (яп. Сю Масюку), любующийся цветами лотоса, и свиток, с изображением Хотэя. Эти работы представляют собой примеры сочетания пейзажной и фигуративной живописи в Японии XV века, создание которых связано с дзэн-буддизмом. Другие типы живописных заказов Масанобу — буддийские свитки и портреты.

Отличительной особенностью стиля Масанобу стало совмещение живой, наполненной движением техники монохромной живописи суйбокуга и использования цветных красок, которые применялись в создании буддийских свитков.

Хасэгава Тохаку (1539-1610) – мастер монохромной живописи тушью в китайском, а также полихромной живописи в японском стиле на золотом фоне; писал пейзажи, изображения животных и растений на ширмах и раздвижных дверях.

Хасэгава Тохаку начинал свой творческий путь, делая рисунки для буддистских монастырей в родной провинции Ното. Затем он переселяется в Киото, где разрабатывает свой собственный стиль рисунка тушью, имеющий первооснову в школе Кано. Художник основывает одноименную художественную школу Хасэгава, которая отличается более плоскими и декоративными произведениями.

Приблизительно в 1590 году мастер создает свое легендарное произведение «Сосновый лес», включенное в список Национальных сокровищ Японии – монохромную живопись тушью на бумаге в формате двух 6-панельных ширм. Сосны изображены штрихами тушью в различных оттенках серого цвета: они стоят группами в тумане, частично выступая из него и пропадая, растворяясь в отдалении. Это произведение является одним из самых известных примеров использования приема ёхаку, или «осмысленной пустоты» в японской живописи.

Хонъами Коэцу (1558-1637) – основоположник школы живописи Римпа, художник, каллиграф и керамист. Коэцу был по-настоящему творческой личностью и новатором, ставшим успешным во многих видах искусства. Так, он сделал несколько выдающихся работ в керамике раку, в частности, всемирно известную чашу «Фудзисан», которая признана национальным достоянием. Помимо этого, будучи одним из лучших каллиграфов своего поколения, Коэцу разработал собственный стиль каллиграфии и обучал ему своих учеников; новаторские приемы мастер выработал и в дизайне лаковых изделий.

Коэцу поддерживал тесные отношения с художником Таварая Сотацу (1600-1643), который украшал рисунками многие его каллиграфические работы. Совместная работа Сотацу и Коэцу привела к новой интерпретации поэтических образов предыдущих периодов. Живописные произведения Сотацу, которые становились фоном для каллиграфии Коэцу, представляли зрителю естественную красоту окружающего мира, что сочеталось с яркой динамикой и эмоциональностью каллиграфического стиля Коэцу.

В 1615 году на северо-западе Киото в месте под названием Такагаминэ Коэцу и Сотацу основали сообщество художников. В этом месте Хонъами Коэцу развивал свой уникальный стиль живописи, который впоследствии трансформировался в школу Римпа.

Маруяма Окё (1733-1795) – мастер японской живописи и сооснователь школы Маруяма-Сидзё совместно со своим учеником и другом Мацумура Госюн (1752-1811). Новаторством и особенностью живописного стиля Окё является «эскизность» и реализм; художник всегда носил с собой этюдник и охотно делал наброски. Несмотря на «эскизность», в картинах художника прослеживается использование традиционных сюжетов в сочетании с богатым декором, напоминающим школу Римпа. Таким образом, в работах Окё натурализм, светотень и перспектива западной школы соединены с декоративностью и сюжетностью традиционных восточных работ.

Ряд художников, выступавших против реализма Окё, сформировали свою школу Нанга, стилистически базировавшуюся на принципах Южной школы китайской живописи. Художники школы Сидзё же попытались примирить эти два направления, создавая работы, объединяющие в себе черты стилей обеих школ. Художники Сидзё так же, как и мастера школы Маруяма, фокусируются на предметном реализме, однако гораздо меньше концентрируются на точности изображения объекта. Главное для них – передать его дух; картины часто содержат элементы юмора и игривости.

4. Особенности китайской живописи тушью

Познакомившись с особенностями и историческим развитием живописи суйбокуга, давайте обратимся к характерным чертам китайской живописи тушью гохуа.

Основные темы китайской живописи тушью можно разделить на три группы: изображения природы («гор и вод»), людей и цветов и птиц. По технике исполнения выделяют «се-и» и «гунби».

Техника «се-и» состоит в следующем: художник не стремится передать внешнюю форму изображаемого, а выражает на бумаге его сущность и свое духовное восприятие объекта. В этом случае мастер отказывается от реалистичного изображения и передает тот образ, который возникает в его душе. При этом художник может использовать в своей работе яркие краски.

Особенность второй техники, «гунби»: вначале подробно выписываются контуры изображаемого объекта, затем наносится краска. Эту технику отличает утонченность и красочность изображения, его реалистичность и детальность.

 Техника «се-и» (прием «моккоцу»)Техника «гунби» (прием «короку»)
Особенности изображенияХудожник передает  не внешнюю форму объекта, а его сущность; при этом возможно использование ярких красок, но основу техники составляют приемы живописи тушью.    Вначале тщательно выписываются контуры объекта, затем наносится краска. Картины отличаются утонченностью, Красочностью и реалистичностью.
КистиКисти выбираются в зависимости от объекта и цели изображения.Используют упругие маленькие кисти, удобные для выписывания линий и мягкие кисти среднего размера, удобные для нанесения краски и растушевывания.

БумагаРабота пишется на необработанной бумаге.Мастера работают с глянцевитой непромокаемой обработанной бумагой. Шёлк в случаях применения сложной техники не употребляется.
КраскиКраски на основе минералов и растительных масел.Краски на основе минералов и растительных масел.

5. История развития живописи тушью в Китае

Мы разобрали основные черты китайской живописи тушью гохуа. Давайте посмотрим на исторический путь этого искусства.

Использование  тушью началось в Китае во времена первой династии – династии Шан (XVII-XI вв. до нашей эры). Картины с применением туши известны уже в период  династии Хань (206 год до н.э. – 220 год н.э.): среди фресок и других произведений этой эпохи имеются изображения с помощью туши и красок. В период династии Тан (618-907) появляются изображения тушью с использованием техники оттенков. 

Во второй половине эпохи Тан (IX век) в сфере живописи тушью сложилась техника изображения природы, «гор и вод». Литератор и историк живописи, автор трактата «Записки о знаменитых художниках разных эпох»  Чжан Яньюань утверждал, что тушью можно передать множество цветов и оттенков. Так, в его трактате о живописи содержалось изречение: «Художник может передать все цвета с помощью одной лишь черной туши» (пер. с кит.: В. В. Малявин)

В это время окончательно сформировывается отличие живописи тушью от западных форм: художник изображает сущность объекта, постигаемую им субъективно и духовно, не придавая значения характерному для западного искусства стремлению к реалистичной передаче природы, повышенному вниманию к заднему плану и использованию эффектов светотени.

В период династии Сун (960-1279) живопись тушью становится любимым занятием гражданских и чиновных лиц. В это время получает распространение основной жанр этого вида искусства под названием «Четыре Благородных»  –  изображение орхидей, бамбука, хризантем и сливы. Считалось, что среди прочих растений и цветов они отличаются особым благородством и чистотой.

Основы живописи тушью, центральной темой которой являлось изображение природы, сложились в эпоху Северной Сун и далее развивались художниками двух направлений: Северной Сун (профессиональные мастера) и Южной Сун (художники-любители из чиновного сословия). В период Камакура их работы появились в Японии.

Техника «гунби» в основном сформировалась в эпоху династии Тан (618-907) и получила дальнейшее развитие в так называемую эпоху «Пяти династий и десяти царств» (907-960). Позднее, в эпоху династий Северной и Южной Сун (960-1279), она достигла расцвета и продолжает развиваться в настоящее время. Картины, выполненные этой техникой, были особенно любимы придворной аристократией за изящество и роскошность изображения. 

С распространением дзэн-буддизма в сфере живописи тушью появляется также жанр изображения известных эпизодов и персонажей древности, а в период династии Мин (1368-1644) эта живопись обогащается изображениями цветов, плодов, овощей, рыб и прочего. 

6. О различиях японской и китайской живописи тушью. Отличие китайского пейзажа от японского

Мы отдельно разобрали характеристики и исторический путь японской и китайской живописи тушью. В последней части цикла наших статей давайте поговорим об отличительных чертах суми-э и гохуа.

При сравнении японской и китайской живописи тушью наиболее наглядные различия наблюдаются в пейзажных работах. Прежде всего, они отличаются техникой исполнения.

Так, китайские художники обычно тщательно выписывают контуры изображения, тогда как для японских мастеров характерно использование специфических приемов расплывчатости и плавных переходов тонов. Также особый шарм изображению японских мастеров придает характерная техника «накапывания», при которой на участок бледной туши накапывают более густую тушь.

В качестве одной из причин появления этой техники в Японии называют качество японской воды. Дело в том, что в Китае вода жесткая, тогда как в Японии – мягкая. Благодаря этому впитывание туши в бумагу происходит более равномерно. Для мастеров пейзажной живописи передача оттенков и впитывание туши является, можно сказать, основополагающим принципом их работы. О важности качества воды можно судить по преданиям, согласно которым мастера, стремясь обеспечить наилучшую воду для своих работ, растворяли тушь утренней росой.

Вторая причина связана с наличием уникальной для Японии бумаги – васи. Японская бумага достаточно прочна и обладает способностью хорошо впитывать влагу. Это позволило мастерам создать и широко применять технику «накапывания», которая отличается обильным использованием воды и энергичной работой кистью.

В японской технике светотень передается с помощью оттенков туши, а благодаря целому ряду техник (количество туши, набираемой на кисть; главный участок кисти, на который набирается тушь; угол наклона кисти по отношению к бумаге в процессе рисования; работа кистью – энергичность, быстрота, степень нажима; размеры кисти, длина и твердость ее кончика и прочее) можно создавать разнообразные эффекты. Используя все это по отдельности или комплексно, художник с помощью различных приемов – растушевывания, расплывчатости, постепенных переходов оттенков – получает возможность одноцветной черной тушью добиваться глубокой выразительности произведения.

В этом состоит главная особенность японской живописи тушью, отличающая ее от китайской живописи.

Также необходимо упомянуть о различиях в использовании кистью и тушью. Китайские картины отличаются мощными линиями и энергичной работой кистью, тогда как в японской живописи используются техники изображения на основе впитывания туши в бумагу. Если в китайской живописи наблюдается тенденция «опоры на кисть», то в японской – «опоры на тушь».

Отличия прослеживаются и в передаче природы. Согласно китайской художественной традиции, изображение природы, «гор и вод» символически связано с дзен-буддизмом. Горные и прочие пейзажи в картинах этого жанра не связаны с какой-то конкретной местностью, а являются плодом воображения мастера и предстают в виде некоего дзэн-буддийского символа; в изображениях активно используется техника на основе законов перспективы. Китайские художники даже при изображении реального пейзажа стремятся передать некий высший идеал, существующий лишь в их душе. В то же время картины японских мастеров создают ощущение большей мягкости и эмоциональной насыщенности.